Donatello

Nacido en Florencia alrededor del año de 1386, Donatello, cuyo verdadero nombre es Donato di Niccolo di Betto Bardiya, entre 1404 y 1407 trabajó como ayudante en el taller de Ghiberti. Su primera obra importante es el David de mármol esculpido en los años 1408- 1409 para completar uno de los contrafuertes de la Catedral.

Habitualmente se ha establecido este periodo inicial como el de formación (en algunas de cuyas primerísimas obras aún pervivirían retazos góticos), considerándose su producción a partir de 1425 (fecha en la que comienza a trabajar con Michelozzo) propiamente clasicista. En la capital romana, ciudad a la que se trasladará con su nuevo colaborador hacia 1430 y donde habría pasado una estancia anteriormente con su amigo Brunelleschi estudiando el legado de la Antigüedad, dejará constancia de su maestría en piezas como El entierro de Cristo (1430-1433). Será a la vuelta cuando comience los relieves de la Cantoría de la Catedral de Florencia, en los cuales es apreciable el conocimiento de modelos clásicos.

Magnífico será el David en bronce de 1435 para el palacio que los Médici. En esta obra se puede apreciar toda la madurez y el dominio de Donatello a la hora de representar la anatomía humana.

A partir de 1443 va a entrar en contacto con la corriente artística que se estaba desarrollando en Padua,gracias a lo cual su escoultura se tornará mucho más expresiva. La fabulosa estatua ecuestre de El Gattamelatta (que tanto debe a la herencia clásica romana) o los relieves y esculturas realizados para el altar de la Basílica del Santo (alejados ya de aquellos primeros florentinos) forman parte de la herencia que Donatello dejará a ésta ciudad. A esta última etapa pertenecen también los Milagros de San Antonio, la composición de Judith y Holofernes y su "terrible" María Magdalena en madera (estas dos últimas obras ya en Florencia, ciudad en la que fallecerá en 1466).

Posiblemente por un encargo de Cosimo de Médici , tal vez " Las cancelas de bronce de San Lorenzo"-regresa a Florencia en 1459 y con la obra en elaboración fallece el 13 de diciembre de 1466.

Fue el escultor más importante y de mayor influencia en el Renacimiento Temprano. Destacan sus inventos en el tratamiento de los relieves dando un nuevo punto de vista al arte europeo, como el relieve que decora el zócalo de su imagen de San Lorenzo en Orsanchmichelle, donde muestra la ruptura con los conceptos tradicionales del relieve. Donatello representa la profundidad espacial dentro del mismo plano del relieve. La nueva tecnica se llamo "Rilievo Schiacciato" o relieve plano por su efecto visual, también se le suma la dramatización de la forma narrativa.

En su obra llamada Madonna Pazzi que es un relieve en mármol creada hacia 1417-1418 rodeada por un marco de perspectiva acortada, la Virgen sostiene y abraza al niño cariñosamente, la perspectiva vista desde abajo da a la escena grandiosidad. Es una escena casi retratística Donatello depura el tipo de Virgen en relieve de medio cuerpo que sugiere proximidad al observador cobrando mayor notoriedad durante el quattrocento como imagen de meditación y culto privado.

Donatello alcanza con su técnica el apogeo hacia 1425 en la obra para la pila bautismal del Baptisterio de Pisa llamada: el Festín de Herodes, aquí se diferencia la escena central de la presentación de la cabeza de San Juan el Bautista ofrecida a Herodes por un soldado con la rodilla en tierra ante el terror de los presentes.Salomé a la derecha con estilo antiguo y el personaje del centro, increpa a Herodes que retrocede aterrado, aquí se da una concentración escénica que redunda en la representación en perspectiva de la arquitectura clásica de la arcada, enviando la mirada del observador para apreciar una profundidad en las dependencias del fondo antes no tenida en cuenta. El uso de la perspectiva central en este relieve de Donatello se destacará en todo el Renacimiento Temprano.

Donatello realiza el David en bronce (hacia 1444-1446) que es una de las más importantes esculturas del Renacimiento Temprano siendo el primer caso en que un escultor crea un desnudo tridimensional de tamaño natural liberando la escultura de la arquitectura.Aquí Donatello se refiere a la Antigüedad al retomar el desnudo tridimensional de tamaño natural.

Filippo Brunelleschi

Filippo Brunelleschi (1377-1446) es un florentino formado en el arte de la escultura y la orfebrería, que había realizado algunas obras de cierto mérito en su primera juventud. Con veinticuatro años decidió participar en el concurso convocado para realizar las segundas puertas de bronce del baptisterio de la catedral de Florencia. El jurado calificó su propuesta en segundo lugar, declarando vencedor a Lorenzo Ghiberti.

En 1417 le encargan construir la cúpula de la catedral de “Santa María del Fiore”de Florencia.La cúpula propuesta por Brunelleschi era ciertamente novedosa y brillante, pero sobre todo era poco costosa y carecía de los riesgos del resto de soluciones presentadas. En 1436 termina la monumental cúpula con 42 metros. Una vez acabada la linterna que corona la cúpula, “Santa Maria del Fiore” se convirtió en símbolo de la nueva sensibilidad artística que representaba el Renacimiento y marcó las pautas para la arquitectura posterior.

Brunelleschi consigue imponer sus modelos estéticos sobre los ya existentes y se rebela contra las condiciones laborales de los artistas todavía imperantes,hasta llegar a sufrir cárcel por negarse a pagar su correspondiente cuota al gremio de constructores al que pertenecía. Hacia 1420 Brunelleschi sistematizó un método para representar de un modo verosímil la profundidad de los cuerpos en pintura. Dicho método revolucionó la pintura italiana, y posteriormente la del resto de Europa: la perspectiva, la cual expuso mediante una demostración práctica en la que pintó dos paneles que representaban dos plazas de Florencia, causando sensación en la ciudad.Además de esto trabajó en la basílica de “San Lorenzo” (1418). Aquí el artista florentino propuso la recuperación del modelo paleocristiano frente al establecido gótico. Diez años más tarde añadiría a la basílica la “Sacristía vieja”, destinada a ser la capilla funeraria de los Médici.

También destaca el “Hospital de los Inocentes” (1421-24), en el que los elementos clásicos son ya abundantes (arquerías de medio punto, frontones, etc.), y que constituye un ejemplo magnífico de su sistema de proporciones.

En 1444, y después de quince de construcción, Brunelleschi terminó de la “Capilla Pazzi”, en el jardín de la iglesia de la Santa Croce, obra que supuso un nuevo hito en su carrera.

Masaccio

Masaccio cuyo verdadero nombre es Tommaso di Ser Giova Mone Cassai nace en Castel San Giovanni en 1401.Siendo bastante joven se traslada donde se inscrive al gremio de pintores de esta ciudad de médicos, boticarios y pintores, en 1422, fecha en la hace su primera obra hoy documentada el tríptico de San Juvenal, que supera plenamente el gótico.

Después de esto se dedica al fresco de La Consagración para la iglesia del Carmine (1426) en colaboración con Masolino, del cual solo quedan algunas copias de dibujos posteriores, como esta:

Su siguiente obra será el ciclo de frescos sobre la Vida de san Pedro y la Expulsión del Paraíso (cuya composición está hecha de pocas figuras esenciales y de una plasmación natural de la luz ), que termina en 1428, con lo que tendrá que compaginarlo con el fresco de la Trinidad y un Políptico para la iglesia del Carmine.En los frescos de la Vida de san Pedro y la Expulsión del Paraíso las figuras de Adán y Eva expulsados del Paraíso son prototípicas de la concepción que Masaccio tenía de la pintura, basada en la masa y el volumen de las figuras, en una única fuente de luz y en la representación científica de la perspectiva. La importancia de estos frescos fue tal que todos los grandes pintores posteriores, incluidos Leonardo, Rafael y Miguel Ángel, los estudiaron.Esta obra es especialmente importante puesto que se supera por completo en la misma cualquier rasgo del gótico previo, constituyendo un inmejorable ejemplo de la que vendrá a ser la pintura de la Modernidad. Para comenzar, la composición es extremadamente compleja, tanto en lo concerniente a las escenas individuales como al conjunto global de la decoración, estructurada en función de un punto de vista principal: el del observador.

Al terminar los frescos se traslada a Roma, interrumpiendo los trabajos en la capilla Brancacci de la iglesia Carmine, para colaborar con Masolino en la ejecución de un tríptico para la iglesia de Santa Maria Maggiore, que no llegó a finalizar ya que falleció ese mismo año.

Giotto di Bondone

Giotto nace en Bondone sobre 1267. Cuentan que en la década de 1280 Cimabue vio a Giotto, que era un pastor, pintar la naturaleza, algo asombroso para esa época. Por lo que Cimabue quiso llevárselo con él. Tras varios años de aprendizaje con Cimabue, van a Asís donde se encargan de la decoración de la basílica superior de Fracisco de Asís, en el que Giotto se encarga del primer ciclo narrativo sobre la historia de un santo, San Francisco.

Giotto figuró unas escenas en la que se consigue determinar un lugar concreto, un espacio verosímil en donde las figuras se insertan de forma natural. Aunque su formulación espacial sea bastante primitiva, su observación de la Naturaleza le lleva a crear un marco real. Además, Giotto individualiza a los personajes, que tienen características y rasgos propios bien definidos: gestos, movimientos, expresión. Será a partir de este momento, cuando Giotto empieza a ser considerado el gran maestro de su tiempo, rompiendo con el estilo decorativo bizantizante que dominaba la pintura hasta ese momento.

A partir de ese momento Giotto es llamado de todas las partes de Italia requerido por los personajes más poderosos, pintando tanto fresco como en tabla.Consiguió romper conla tradicional iconografía de Cristos y Madonas (de caracteres intemporales), para acercarlos a la realidad y cotidianeidad del hombre de su tiempo, dotándolos de rasgos humanos y verosímiles en un espacio en profundidad. Dicen que la pintura de Giotto es el nacimiento del arte italiano. En los primeros años del Trecento pinta algunos crucifijos y retablos con el motivo tradicional de la Maestà, por ejemplo la Virgen y el Niño rodeado de ángeles. Incluso el rey francés de Nápoles lo llamó a su corte, en 1328, refiriéndose al maestro italiano como "familiaris", lo que suponía un cambió definitivo en la consideración social del artista, anticipándose al Renacimiento. Para ocuparse de todos sus encargos tenía un gran taller. Pintó los frescos para la capilla Scrovegni de Padua y el mural de la capilla Peruzzi y Bardi.

El problema de todas sus obras es que no se sabe cuales son suyas y cuales las de sus ayudantes, ya que se observa grandes diferencias entre unas obras y otras, lo cual se observa en la decoración de la capilla de la Magdalena, en la basílica Inferior de Asís, en los que se cree que el solo dio los modelos.

Su último encargo fue, hacia 1334, la dirección de los trabajos de la catedral de Florencia y de las obras urbanísticas de la ciudad. Muere sobre el 1337 en Florencia con honores.

Pisa

La plaza de lo milagros

La Plaza de los Milagros, Piazza dei Miracoli en italiano, o Plaza de la catedral, Piazza del Duomo, es una amplia área amurallada en el corazón de la ciudad de Pisa, en la Toscana Italiana. Está dominada por cuatro grandes edificios religiosos: El Duomo, la Torre inclinada de Pisa, el Baptisterio y el Camposanto.El nombre Piazza dei Miracoli fue creado por el escritor y poeta italiano Gabriele d'Annunzio quien, en 1910 describió la plaza de una manera muy poética.En 1987 la plaza fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

La catedral

La catedral de Pisa, conocida como Duomo, es una basílica de 5 naves consagrada a la Asunción de la Virgen. Se empezó a construir en 1064 por el arquitecto Buscheto quien originó el estilo románico pisano en arquitectura: Los mosaicos del interior muestran una fuerte influencia bizantina, ya que las columnas provienen de la mezquita de Palermo, mientras que los arcos apuntados indican la influencia islámica.La fachada, de mármol gris y piedra blanca fue construida por el maestro Rainaldo. Por encima de las puertas hay cuatro filas de galerías abiertas con estatuas en lo alto de la Virgen con Niño y, en las esquinas, los Cuatro evangelistas.Como curiosidad, se cree que Galileo formuló su teoría sobre el movimiento de un péndulo al ver el balanceo del incensario que colgaba del techo de la nave.

-El mosaico del abside

En el ábside hay un impresionante mosaico de un Maiestas Domini, flanqueado por la Virgen y san Juan Evangelista terminado por Cimabue en 1302, siendo esta su ultima obra antes de su muerte.Su forma evoca los mosaicos de las iglesias bizantinas y normandas, como la de Cefalú y Monreale, en Sicilia.

-El Púlpito de Giovanni Pisano

El elaborado púlpito tallado (1302-1310), es obra de Giovanni Pisano y es una de las obras maestras de la escultura medieval.

Está apoyado en columnas lisas (dos de las cuales están montadas sobre esculturas de león) en un lado y en el otro por cariátides y un telamón: este último representa a San Miguel, los Evangelistas, las cuatro virtudes cardinales flanqueando a la Iglesia, y una representación franca y naturalista de un Hércules desnudo. Un plinto central con las artes liberales apoya a las cuatro virtudes teologales.

Giovanni Pisano fue un escultor italiano, pintor y arquitecto, hijo del famoso escultor Nicola Pisano. Ambos marcaron el pasoal Renacimiento inspirándose en los elementos griegos y latinos de la Antigüedad .

El baptisterio

El Baptisterio, dedicado a san Juan el Bautista, está frente a la catedral. Se empezó a mediados del siglo XII en estilo románico por un arquitecto conocido como Deustesalvet.

La construcción, sin embargo, no terminó hasta el siglo XIV, cuando la loggia, la planta superior y la cúpula fueron añadidos en estilo gótico por Nicola y Giovanni Pisano.

Es el baptisterio más grande de Italia y contando la estatua de san Juan Bautista es más alto que la Torre.La inmensidad del interior es impresionante, pero es sorprendentemente sencillo y carece de decoración.

El portal, que queda frente a la fachada de la catedral, está flanqueado por dos columnas clásicas, mientras que las jambas interiores están ejecutadas en estilo bizantino. El dintel está dividido en dos pisos. El inferior representa varios episodios de la vida de san Juan Bautista, mientras que el superior muestra a Cristo entre la Virgen y san Juan Bautista, flanqueados por ángeles y evangelistas.

-El pulpito de Nicola Pisano

Lo más característico del baptisterio es el púlpito, que fue esculpido entre 1255 y 1260 por Nicola Pisano, padre de Giovanni Pisano, el artista que realizó el púlpito de la catedral.

Las escenas del púlpito, y especialmente la forma clásica del Hércules desnudo, son buen ejemplo de las cualidades de Nicola Pisano como el más importante precursor de la escultura renacentista italiana al restablecer las representaciones antiguas.

Ambas obras escultóricas son parecidas: el púlpito del baptisterio es hexagonal donde las columnas está siendo sostenidas por leones. En cambio, el púlpito de la catedral es circular, está mucho mas decorado y posee una columna central compuesta por la represntación de las 3 virtudes teologales y las 4 virtudes cardinales.

La torre

La Torre inclinada de Pisa es el campanario de la catedral de Pisa.

Fue construida para que permaneciera en posición vertical pero comenzó a inclinarse tan pronto como se inició su construcción.

La construcción de la primera planta de mármol comenzó el 9 de agosto de 1173, en un periodo de éxito militar y prosperidad.

Después de que se construyera la tercera planta en 1178, la torre se inclinó hacia el norte, debido a unos cimientos débiles (tres metros), en un subsuelo inestable. El diseño de esta torre era imperfecto desde su comienzo y su construcción cesó durante un siglo, debido a las guerras entre los pisanos y los estados vecinos. Este lapso permitió al suelo asentarse, de otro modo la torre se habría derrumbado.

En 1272 la construcción fue retomada por Giovanni di Simone, arquitecto autor del camposanto. Se añadieron entonces cuatro nuevas plantas que fueron construidas con cierto ángulo con objeto de contrarrestar la inclinación. La construcción se detuvo nuevamente en 1284 tras la derrota de Pisa por parte de los genoveses en la batalla de Meloria.

En 1372 Tommasso di Andrea Pisano construyó la última planta y las campanas fueron instaladas. Sin embargo, tras la conclusión del campanario, la torre empezó a inclinarse, esta vez hacia el sur.

Muchos intentaron estabilizarla sin éxito, pero en 1990, al ver que la torre podía caer en cualquier momento, el gobierno italiano se puso manos a la obra. Intentaron poner unos contrapesos de plomo, pero finalmente retiraron 38 m3 de tierra de la base para que pudiera seguir en pie otro 300 años más.

Arte Gótico

El arte gótico es un estilo que se desarrolló en Europa occidental durante los últimos siglos de la Edad Media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento. Surge en el norte de Francia y se expande por todo Occidente. Según los países y las regiones se desarrolla en momentos cronológicos diversos, ofreciendo en su amplio desarrollo diferenciaciones profundas: más puro en Francia, más horizontal y cercano a la tradición clásica en Italia, con peculiaridades locales en Flandes, Alemania, Inglaterra, Castilla y Aragón.

ARQUITECTURA GÓTICA.

Planta

La planta de las grandes iglesias góticas responde a dos tipos principales.

- De tradición románica. tiene forma de cruz latina, con o sin girola pero con los brazos poco salientes y con los ábsides frecuentemente poligonales. Las iglesias mas grandes siguen este tipo con brazos muy salientes como en la época románica. Y en las iglesias menores o populares se adopta como planta más común la de cruz latina o la rectangular y con un solo ábside poligonal en la cabecera.

- De salón. La planta no tiene crucero de brazos salientes (aunque se sigue viendo la cruz simbolica del medio), el templo de salón tiene tres naves de igual altura y un sistema de iluminación lateral. Los espacios interiores son amplios y desahogados, abarcables con una sola mirada y tremendamente unitarios, dan impresion de un gran salón.

Bóveda de Crucería

La bóveda de crucería, conformada por arcos apuntados es más ligera que cualquier otro tipo de bóveda. La utilización de este tipo de arco formando un esqueleto tridimensional unitario refleja el alto conocimiento técnico que alcanzaron los constructores de catedrales.

Para soportar el empuje del peso de las bóvedas, en vez de construir gruesos muros como se realizaba en el románico, ; los arquitectos góticos idearon otro sistema. El de los contrafuertes con arbotantes. Los contrafuertes se separan de la pared, recayendo el empuje sobre ellos por medio de un arco de transmisión denominado arco arbotante. Todavía se puede alcanzar una mayor resistencia colocando a continuación un segundo contrafuerte. Los arbotantes también cumplen la misión de albergar los canales por donde descienden las aguas de los tejados y evitar así que resbalen por las fachadas. Con ellas se podían concentrar los empujes en los cuatro puntos del vértice y posteriormente apearlos por medio de los elementos sustentantes, que podían ser los pilares o columnas pero también el sistema de estribo y arbotante, un arco que transmite los esfuerzos tangenciales hacia un contrafuerte situado en el exterior del edificio coronado por un pináculo.

El muro

Como consecuencia de las innovaciones para soportar las bóvedas, los gruesos muros de la arquitectura románica pudieron ser reemplazados por ligeros cerramientos con ventanales que permitieron la aparición de la vidriera y facilitaron que el edificio alcanzase alturas insospechadas. La típica fachada principal gótica se divide en tres cuerpos horizontales y tres secciones verticales, donde se abren las tres portadas que se corresponden con las naves del interior. Las dos torres laterales forman parte del cuerpo de la fachada y se rematan frecuentemente por agujas o chapiteles. Por último, el gran rosetón sobre la portada central supone un magnífico centro para la totalidad del conjunto.

Las ventanas

Las innovaciones permitieron abrir grandes espacios en los muros de las fachadas, esto dió lugar a grandes ventanas y vidrieras.El verdadero ventanal gótico era amplio y decorado en su parte superior con hermosos calados de piedra, los cuales se forman de rosetoncillos combinados, siempre sostenidos por parteluces. Algo parecido se observa en los grandes rosetones que se colocan en lo alto de las fachadas.

El Arco Apuntado

El arco apuntado u ojival es uno de los elementos técnicos más característicos de la arquitectura gótica y vino a suceder al arco de medio punto, propio del estilo románico. El arco apuntado, a diferencia del arco de medio punto, es más esbelto y ligero por transmitir menores tensiones laterales, permitiendo adoptar formas más flexibles, resulta más eficaz, pues gracias a su verticalidad las presiones laterales son menores que en el arco de medio punto, permitiendo salvar mayores espacios.

Las Puertas

La puerta gótica tiene la misma composicion fundamental que las puertas del románico pero se multiplican las arquivoltas y se añade una mayor elevación de líneas con más riqueza. Las portadas más suntuosas llevan imágenes de apóstoles y de otros santos bajo doseletes entre las columnilla.

El gótico en Florencia y Siena

En Florencia destaca la iglesia de la Santa Cruz, levantada por la orden franciscana. Se empezó a construir el 3 de mayo de 1294 sobre las ruinas de una pequeña iglesia erigida en 1252 por los franciscanos tras la muerte de San Francisco de Asís. Diseñados los planos por Arnolfo di Cambio. Es la iglesia franciscana más grande del mundo. Subvencionada por el pueblo y la República florentina.

En Siena destaca la Catedral de Siena. Fue diseñada y terminada entre 1215 y 1263 sobre el sitio de una estructura más antigua. Tiene la forma de una cruz latina con un crucero, un domo y un campanario. El exterior e interior estan construidos de mármol rayado blanco y verdoso negro, con la adición de mármol rojo sobre la fachada. blanco y negro son los colores simbólicos de Siena, sacado de los caballos blancos y negros de los fundadores legendarios de la ciudad: Senio y Asquio.

LA ESCULTURA GÓTICA

La escultura siguió el precedente románico, con una amplia difusión de imágenes cuyo fin era adoctrinar a los fieles en los dogmas de la fe religiosa y decorar las fachadas de las catedrales.
Las figuras más destacadas son las estatuas colosales de las portadas y las de los parteluces de los vanos de entrada. Reciben el nombre de estatuas-columna por estar adosadas a estos soportes.
La escultura gótica evolucionó desde un estilo alargado y rígido, aún en parte románico, hacia un sentimiento espacial y naturalista. La influencia de las esculturas griegas y romanas que aún se conservaban se incorporaron al tratamiento de las telas, las expresiones faciales y la pose.

LA PINTURA GÓTICA

La transición del románico al gótico es muy imprecisa y no hay un claro corte, pero podemos ver los comienzos de un estilo que es más sombrío, oscuro y emotivo que en el periodo previo. Esta transición ocurre primero en Inglaterra y Francia alrededor de 1200, en Alemania en torno a 1220 e Italia alrededor de 1300.en el gótico se tiende a aumentar el realismo y naturalismo, aproximándose a la imitación a la naturaleza, incluyendo la representación de paisaje. Se tendió a aproximar la representación de los personajes religiosos en un plano mas humano que divino, rompiendo el formalismo del románico.

Arte Romanico

El Románico es el resultado de la integración de fórmulas estéticas y constructivas de distintas culturas, entre ellas la romana, prerrománica, bizantina, germánica y árabe, llegando a alcanzar un conjunto de criterios y una personalidad considerable.Es un estilo que surgió de manera casi simultánea en practicamente toda Europa, surgiendo en cada país con unas características propias pero con suficiente unidad para considerarse el primer estilo con ámbito europeo.El país más relacionado con el románico es Francia, aunque también tuvieron su participación Inglaterra, Escocia, Borgoña y la mitad norte de España. Italia, recibió de forma más indirecta este estilo artístico, aunque fue el país con el románico más puro debido a su pasado como centro del Imperio Romano. Todo el conjunto de estos edificios, incluidos los que fueron derruidos en épocas anteriores, constituyen una gran fuente de investigación arquitectónica sin precedentes.

CARACTERISTICAS

El arte románico va a dar un cambio radical. Se deja un lado la sencillez que predominaba hasta la Alta Edad Media y se emplea de nuevo la majestuosidad de las construcciones romanas.La planta típica de una iglesia románica es la cruz latina con tres o cuatro naves y crucero de brazos salientes. Las naves de estos lugares estaban cubiertas de techos abovedados de madera y sus exteriores estaban decorados con estatuas y ornamentación arquitectónica.

Las bóvedas.

El templo debía estar abovedado. Esto era por dos razones: la primera por dar mayor relevancia simbólica al edificio y otra más práctica para evitar los incendios que los techos de madera sufrían con cierta frecuencia. Estos deseos llevaron a los arquitectos románicos a construir sus iglesias con grandes muros macizos de piedra que pudieran soportar los enormes pesos de las bóvedas. El sistema de empujes y contrarrestos de las bóvedas -mediante columnas, pilares, contrafuertes u otras bóvedas. Se convirtió en el principal problema ingenieril a resolver.

El muro.

El muro consta de un núcleo formado por ripios consolidados con mortero de cal y sendos acabados exteriores. El muro románico es de gran espesor. Mas de un metro. En el constructor de esa época primaba la estabilidad de la obra sobre cualquier otra circunstancia. Y creaba muros de gran potencia, con escasos vanos por miedo a debilitarlos. Los muros están formados de sillarejo o de sillares desiguales con poca regularidad en las hiladas.

Los contrafuertes.

Los contrafuertes tienen por objeto reforzar los muros y servir a la vez de contrarresto a los arcos y bóvedas. Son visibles al exterior, lisos y de forma prismática. Pero cuando se adhieren a los ábsides aparecen frecuentemente a modo de columnas que sostienen el alero.

Arco de medio punto.

El arco de medio punto, es un arco que tiene la forma de un semicirculo. Es el elemento principal de la arquitectura abovedada. Antiguamente solía estar conformado por dovelas de adobe, ladrillo o piedra.

Las puertas y ventanas

Las puertas se forman por una serie de arcos redondos concéntricos y en degradación apoyados sobre columnas. El conjunto forma una especie de arco abocinado y moldurado contribuyendo al mayor efecto visual el mismo grosor del muro que suele formar allí un saliente.

Las ventanas se abren casi siempre en la fachada y en el ábside y algunas en los muros laterales. Son bastante más altas que anchas y terminan por arriba en arco doble. Existen distintas manifestaciones de edificios románicos en Italia.Uno de ellos es la basílica de San Zénon.

Es el edificio religioso mas conocido de Verona, Italia.Otros edificios que destacan son las catedrales románicas. Por ejemplo la catedral de Parma.

La catedral de Pisa es uno de los edificios mas representativos del arte románico, aunque en ésta se funden elementos estilísticos diversos, clásicos, lombardo-emilianos, bizantinos y en particular islámicos para probar la presencia internacional de los mercaderes pisanos de aquellos tiempos.

LA ESCULTURA ROMÁNICA.

La escultura románica siguió los pasos y la evolución que la arquitectura. Se inspiraba con frecuencia en los dibujos y figuras de los códices regionales (libros escritos a mano, manufacturado en el periodo que abarca desde finales de la Antigüedad Clásica hasta los inicios de la Edad Media) y de los tapices venidos de Oriente. Esta escultura se desarrolla durante los siglos XI, XII y XIII dando lugar más tarde a la escultura gótica. la escultura románica se constituye por la imitación de modelos bizantinos o romanos de estilo decadente pero realizada con mano latina y frecuentemente bajo la influencia del gusto persa o del árabe. Carece en ocasiones de expresión en las figuras.

La pintura románica es la desarrollada en Occidente desde la invasión de los bárbaros hasta mediados del siglo XIII en que empezó la llamada pintura gótica. En ella se pueden distinguir distintos tipos:

- El de imitación bizantina, que en Italia se llamó italo-bizantino.
- El carolingio, principalmente desarrollado en Francia.
- El visigodo y mozárabe en España.
- El románico propiamente dicho.
- El irlandés, es un estilo separado pero influyente en el resto.