Paolo Uccello

Paolo Uccello (1397-1475), es un pintor renacentista italiano cuyo verdadero nombre era Paolo di Dono, destacado por sus innovaciones en el uso de escorzos y de la perspectiva lineal. Usa mucho la geometría en su pintura, tanto en las figuras, como en la perspectiva o en la composición (muchos hablan de antecedente del cubismo). También su obra manifiesta el interés del artista por la luz. El tema que prefiere son las batallas. Nació en Florencia en 1397 y recibió su primera formación del artista florentino Lorenzo Ghiberti. En 1425 marchó a Venecia para diseñar los mosaicos de la fachada de San Marcos. De nuevo en Florencia, en 1436 pinta el fresco del condotiero inglés sir John Hawkwood para la catedral de Florencia, donde triunfa su ansia de volumen y monumentalidad. En torno al año 1444 realiza una serie de vidrieras para la catedral, una de las cuales, La Resurrección, se conserva todavía en su lugar originario. También se conservan fragmentos de sus frescos en el claustro de Santa María Novella, en Florencia, que datan de 1447 y representan la creación y el diluvio universal.Sus obras más famosas son sin duda las tres versiones que realiza de la Batalla de san Romano, a fines de la década de 1440,en el que utiliza el escorzo (perpendicular al cuadro) para dar sensación de profundidad. También usa el color para conseguir perspectiva. La sensación es que la perspectiva es más descriptiva que de disposición del espacio. Se aprecia su preocupación por el ya citado geometrismo. En él destaca la figura monumental del caballo, visto en los más violentos escorzos. Por otro lado, éstas y otras obras como La cacería (1468) reflejan su perfecto dominio de la perspectiva y un cierto sentido decorativo en sus composiciones.

La batalla de San Romano

La caceria

Lorenzo Ghiberti

Su verdadero nombre era Lorenzo di Bartolo, nació en Florencia (Italia) y fue aprendiz de orfebre. Sus esculturas traslucen una elegancia lírica acompañada de perfección técnica así como el interés que tenía por la sencillez clásica de peso y volumen. En 1403, en competencia con Filippo Brunelleschi y demás escultores, Ghiberti obtuvo su primer encargo importante, la realización de la segunda puerta de bronce del baptisterio de la Catedral de Florencia , cuyas primeras puertas habían sido realizadas a comienzos delsiglo XIV por Andrea Pisano.

Trabajó en ellas durante más de veinte años, ayudado por sus discípulos, entre los que se encontraban Donatello y Paolo Uccello. Cada puerta contiene catorce escenas de marco cuadrifolio sobre la vida de Cristo, los evangelistas y los padres de la iglesia. Instaladas en 1424, las puertas fueron muy alabadas por su trabajo. Aunque los relieves eran principalmente de estilo gótico, los realizados al final muestran un interés creciente por la antigüedad y por la profundidad del espacio pictórico, y la ejecución de las figuras cobra mayor importancia que la de los ropajes. Esta transición hacia el estilo renacentista es también evidente en tres estatuas de santos realizadas en bronce (1416- 1424). A partir de 1425 desarrolló tales ideas con más intensidad. Sus relieves para la catedral de Siena (1417-1427) y su obra más importante, la tercera puerta de bronce para el baptisterio de Florencia (que acabó en 1452), muestran la evolución hacia una representación naturalista del movimiento, el volumen y la perspectiva, así como una idealización mayor del tema. A esta tercera puerta, en cada una de cuyas hojas se representan cinco pasajes del Antiguo Testamento, Miguel Ángel la llamó la Puerta del Paraíso. Ghiberti fue un propagador activo de las ideas humanistas. Su manuscrito inacabado Comentarios (1447-1448), consta de su autobiografía y sus opiniones artísticas. Murió el 1 de diciembre de 1455 en Florencia.

Algunos detalles de la puerta del baptisterio:

Girolamo Savonarola

Girolamo Savonarola(Ferrara, 1452 - Florencia, 1498) fue un fraile reformista italiano que tomó el poder en Florencia . Era prior de un convento de dominicos de Florencia, adonde había llegado gracias a su fama como predicador y a la influencia de personajes como Pico della Mirandola y Lorenzo de Médicis. Desde allí se empeñó en la reforma de la vida monástica, criticando la corrupción moral del clero renacentista.

Tuvo una sólida formación es las Artes Liberales, inclinándose por las teorías de Aristóteles y Santo Tomas de Aquino. Ya con el título de maestro, se dedicó al estudio teológico, ingresando al convento de San Agustín de Faenza, primero, y luego en la orden de los domínicos. Enviado por estos a Florencia, inicia su prédica vinculada a la exaltación de la pobreza evangélica, idea ésta muy lejana de las prácticas eclesiásticas.

Enemigo de los Médici y los Borgia, se pronunció en contra de la Iglesia, acusándola de corrupta e impura en sus exaltados sermones en los que atacaban con igual contundencia a la jerarquía eclesiástica, al papa, a la aristocracia y a las autoridades políticas, despertando la indignación revolucionaria de las masas. Cuando la invasión francesa de Toscana puso en peligro el poder de los Médicis, Savonarola contribuyó a expulsarlos de la ciudad mediante una revolución popular e intentó que los franceses continuaran su avance contra Roma (1494).

En Florencia se instauró un régimen republicano mixto, con elementos democráticos y teocráticos (Jesucristo fue proclamado rey); el propio Savonarola controlaba el poder y lo empleaba para imponer rigor moral extremo (su lucha contra el paganismo implícito en la cultura renacentista le llevó a quemar públicamente los libros de Boccaccio y Petrarca). El papa Alejandro VI, blanco de los ataques de Savonarola, le excomulgó en 1497.

Sus propios partidarios en Florencia consideraron excesiva la dictadura que había implantado y le derrocaron en 1498. Fue encarcelado, torturado, acusado de herejía y quemado públicamente en aquel mismo año.

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Botticceli

Alessandro Di Mariano Filipepi ( Botticelli) nace en Florencia hacia 1444-1445, en el seno de una familia humilde de artesanos, por lo que se inicia en el arte de la orfebrería, pero cuando tiene 17 años entra en el taller de un famoso pintor florentino (Fra Filippo Lippi). En 1470, Sandro ya posee su propio taller. Un lustro más tarde pinta el retrato de Giuliano de Medici, hermano de Lorenzo.

Durante esta época se encuentra dentro círculo intelectual y artístico de la corte de Lorenzo de Medici,donde Botticelli recibió la influencia del neoplatonismo cristiano que pretendía conciliar las ideas cristianas con las clásicas. Esa síntesis se expresa en La primavera (1478) y en El nacimiento de Venus (posteriores a 1482), dos obras realizadas para una de las villas de la familia Medici. Estos cuadros forman diseños lineales abstractos bañados por una suave luz dorada, podrían representar a Venus como símbolo del amor tanto cristiano como pagano. Dentro de este ámbito profano también destaca la serie de cuatro cuadros Nastapio degli Onesti, donde recrea una de las historias del Decamerón, de Boccaccio.

En 1481 es llamado por el papa Sixto IV para trabajar en la decoración de la Capilla Sixtina junto a Ghirlandaio, Pergino, Pinturicchio o Cosimo Rosselli.La Rebelión contra la Ley de Moisés y la Escena judía y las tentaciones de Cristo son las dos obras ejecutadas en Roma.

En esta década de 1480, Botticelli realizará sus obras más importantes: la serie de Nastagio degli Onesti, la Madona del Magnificat o la de la Granada y sus escenas mitológicas - el Nacimiento de Venus o la Primavera - con las que verá aumentar su éxito, que le hará recibir numerosos encargos de las familias más prestigiosas de Florencia. El Retablo de Bardi o la Anunciación indican que su bello estilo está en su momento álgido, estilo que se encuentra a caballo entre los conceptos del Renacimiento y el espíritu del Gótico tandío, integrando en sus obras el pensamiento de sus clientes, por lo que sus encargos fueron numerosos. En la década de 1490 se iniciará la influencia del monje benedictino Girolamo Savonarola en la religiosidad de los florentinos, que afecta al propio Botticelli, cuyo hermano Simone seguirá fervorosamente al clérigo. La muerte de Lorenzo el Magnífico llevará pareja la expulsión de los Médici de la ciudad en 1494, aunque el maestro se mantenga en contacto con ellos. Pero el peso de Savonarola crecerá con fuerza en el ambiente florentino y las obras de Sandro sufrirán un giro hacia el ascetismo, como comprobamos en la Piedad, la Coronación de la Virgen o la famosa tabla de la Calumnia de Apeles.

La situación económica del pintor no debe ser mala ya que adquiere junto a su hermano una villa con vistas al Arno. El 7 de febrero de 1497 Savonarola realizará la primera "hoguera de las vanidades" en Florencia, donde serán quemados numerosos objetos de lujo, considerándose que Botticelli llegó a arrojar al fuego algunos de sus trabajos. Algo más de un año después Savonarola será ahorcado y quemado en la hoguera acusado de herejía; el fallecimiento del clérigo afectará mucho al ánimo del pintor, aumentando el ascetismo en sus trabajos como observamos en la Natividad de 1500, la única obra firmad a y fechada que se conserva. Hacia 1500 el estilo de Sandro era totalmente superado por el de . En 1502 será acusado anónimamente de mantener relaciones homosexuales con sus ayudantes y discípulos Leonardo o Miguel Ángel, acusación que afortunadamente para el artista no tendrá consecuencias judiciales ni sociales ya que dos años después sería miembro de la comisión que decidió el emplazamiento de la estatua del David de Miguel Ángel. Botticelli falleció en Florencia el 17 de mayo de 1510.

Donatello

Nacido en Florencia alrededor del año de 1386, Donatello, cuyo verdadero nombre es Donato di Niccolo di Betto Bardiya, entre 1404 y 1407 trabajó como ayudante en el taller de Ghiberti. Su primera obra importante es el David de mármol esculpido en los años 1408- 1409 para completar uno de los contrafuertes de la Catedral.

Habitualmente se ha establecido este periodo inicial como el de formación (en algunas de cuyas primerísimas obras aún pervivirían retazos góticos), considerándose su producción a partir de 1425 (fecha en la que comienza a trabajar con Michelozzo) propiamente clasicista. En la capital romana, ciudad a la que se trasladará con su nuevo colaborador hacia 1430 y donde habría pasado una estancia anteriormente con su amigo Brunelleschi estudiando el legado de la Antigüedad, dejará constancia de su maestría en piezas como El entierro de Cristo (1430-1433). Será a la vuelta cuando comience los relieves de la Cantoría de la Catedral de Florencia, en los cuales es apreciable el conocimiento de modelos clásicos.

Magnífico será el David en bronce de 1435 para el palacio que los Médici. En esta obra se puede apreciar toda la madurez y el dominio de Donatello a la hora de representar la anatomía humana.

A partir de 1443 va a entrar en contacto con la corriente artística que se estaba desarrollando en Padua,gracias a lo cual su escoultura se tornará mucho más expresiva. La fabulosa estatua ecuestre de El Gattamelatta (que tanto debe a la herencia clásica romana) o los relieves y esculturas realizados para el altar de la Basílica del Santo (alejados ya de aquellos primeros florentinos) forman parte de la herencia que Donatello dejará a ésta ciudad. A esta última etapa pertenecen también los Milagros de San Antonio, la composición de Judith y Holofernes y su "terrible" María Magdalena en madera (estas dos últimas obras ya en Florencia, ciudad en la que fallecerá en 1466).

Posiblemente por un encargo de Cosimo de Médici , tal vez " Las cancelas de bronce de San Lorenzo"-regresa a Florencia en 1459 y con la obra en elaboración fallece el 13 de diciembre de 1466.

Fue el escultor más importante y de mayor influencia en el Renacimiento Temprano. Destacan sus inventos en el tratamiento de los relieves dando un nuevo punto de vista al arte europeo, como el relieve que decora el zócalo de su imagen de San Lorenzo en Orsanchmichelle, donde muestra la ruptura con los conceptos tradicionales del relieve. Donatello representa la profundidad espacial dentro del mismo plano del relieve. La nueva tecnica se llamo "Rilievo Schiacciato" o relieve plano por su efecto visual, también se le suma la dramatización de la forma narrativa.

En su obra llamada Madonna Pazzi que es un relieve en mármol creada hacia 1417-1418 rodeada por un marco de perspectiva acortada, la Virgen sostiene y abraza al niño cariñosamente, la perspectiva vista desde abajo da a la escena grandiosidad. Es una escena casi retratística Donatello depura el tipo de Virgen en relieve de medio cuerpo que sugiere proximidad al observador cobrando mayor notoriedad durante el quattrocento como imagen de meditación y culto privado.

Donatello alcanza con su técnica el apogeo hacia 1425 en la obra para la pila bautismal del Baptisterio de Pisa llamada: el Festín de Herodes, aquí se diferencia la escena central de la presentación de la cabeza de San Juan el Bautista ofrecida a Herodes por un soldado con la rodilla en tierra ante el terror de los presentes.Salomé a la derecha con estilo antiguo y el personaje del centro, increpa a Herodes que retrocede aterrado, aquí se da una concentración escénica que redunda en la representación en perspectiva de la arquitectura clásica de la arcada, enviando la mirada del observador para apreciar una profundidad en las dependencias del fondo antes no tenida en cuenta. El uso de la perspectiva central en este relieve de Donatello se destacará en todo el Renacimiento Temprano.

Donatello realiza el David en bronce (hacia 1444-1446) que es una de las más importantes esculturas del Renacimiento Temprano siendo el primer caso en que un escultor crea un desnudo tridimensional de tamaño natural liberando la escultura de la arquitectura.Aquí Donatello se refiere a la Antigüedad al retomar el desnudo tridimensional de tamaño natural.

Filippo Brunelleschi

Filippo Brunelleschi (1377-1446) es un florentino formado en el arte de la escultura y la orfebrería, que había realizado algunas obras de cierto mérito en su primera juventud. Con veinticuatro años decidió participar en el concurso convocado para realizar las segundas puertas de bronce del baptisterio de la catedral de Florencia. El jurado calificó su propuesta en segundo lugar, declarando vencedor a Lorenzo Ghiberti.

En 1417 le encargan construir la cúpula de la catedral de “Santa María del Fiore”de Florencia.La cúpula propuesta por Brunelleschi era ciertamente novedosa y brillante, pero sobre todo era poco costosa y carecía de los riesgos del resto de soluciones presentadas. En 1436 termina la monumental cúpula con 42 metros. Una vez acabada la linterna que corona la cúpula, “Santa Maria del Fiore” se convirtió en símbolo de la nueva sensibilidad artística que representaba el Renacimiento y marcó las pautas para la arquitectura posterior.

Brunelleschi consigue imponer sus modelos estéticos sobre los ya existentes y se rebela contra las condiciones laborales de los artistas todavía imperantes,hasta llegar a sufrir cárcel por negarse a pagar su correspondiente cuota al gremio de constructores al que pertenecía. Hacia 1420 Brunelleschi sistematizó un método para representar de un modo verosímil la profundidad de los cuerpos en pintura. Dicho método revolucionó la pintura italiana, y posteriormente la del resto de Europa: la perspectiva, la cual expuso mediante una demostración práctica en la que pintó dos paneles que representaban dos plazas de Florencia, causando sensación en la ciudad.Además de esto trabajó en la basílica de “San Lorenzo” (1418). Aquí el artista florentino propuso la recuperación del modelo paleocristiano frente al establecido gótico. Diez años más tarde añadiría a la basílica la “Sacristía vieja”, destinada a ser la capilla funeraria de los Médici.

También destaca el “Hospital de los Inocentes” (1421-24), en el que los elementos clásicos son ya abundantes (arquerías de medio punto, frontones, etc.), y que constituye un ejemplo magnífico de su sistema de proporciones.

En 1444, y después de quince de construcción, Brunelleschi terminó de la “Capilla Pazzi”, en el jardín de la iglesia de la Santa Croce, obra que supuso un nuevo hito en su carrera.

Masaccio

Masaccio cuyo verdadero nombre es Tommaso di Ser Giova Mone Cassai nace en Castel San Giovanni en 1401.Siendo bastante joven se traslada donde se inscrive al gremio de pintores de esta ciudad de médicos, boticarios y pintores, en 1422, fecha en la hace su primera obra hoy documentada el tríptico de San Juvenal, que supera plenamente el gótico.

Después de esto se dedica al fresco de La Consagración para la iglesia del Carmine (1426) en colaboración con Masolino, del cual solo quedan algunas copias de dibujos posteriores, como esta:

Su siguiente obra será el ciclo de frescos sobre la Vida de san Pedro y la Expulsión del Paraíso (cuya composición está hecha de pocas figuras esenciales y de una plasmación natural de la luz ), que termina en 1428, con lo que tendrá que compaginarlo con el fresco de la Trinidad y un Políptico para la iglesia del Carmine.En los frescos de la Vida de san Pedro y la Expulsión del Paraíso las figuras de Adán y Eva expulsados del Paraíso son prototípicas de la concepción que Masaccio tenía de la pintura, basada en la masa y el volumen de las figuras, en una única fuente de luz y en la representación científica de la perspectiva. La importancia de estos frescos fue tal que todos los grandes pintores posteriores, incluidos Leonardo, Rafael y Miguel Ángel, los estudiaron.Esta obra es especialmente importante puesto que se supera por completo en la misma cualquier rasgo del gótico previo, constituyendo un inmejorable ejemplo de la que vendrá a ser la pintura de la Modernidad. Para comenzar, la composición es extremadamente compleja, tanto en lo concerniente a las escenas individuales como al conjunto global de la decoración, estructurada en función de un punto de vista principal: el del observador.

Al terminar los frescos se traslada a Roma, interrumpiendo los trabajos en la capilla Brancacci de la iglesia Carmine, para colaborar con Masolino en la ejecución de un tríptico para la iglesia de Santa Maria Maggiore, que no llegó a finalizar ya que falleció ese mismo año.

Giotto di Bondone

Giotto nace en Bondone sobre 1267. Cuentan que en la década de 1280 Cimabue vio a Giotto, que era un pastor, pintar la naturaleza, algo asombroso para esa época. Por lo que Cimabue quiso llevárselo con él. Tras varios años de aprendizaje con Cimabue, van a Asís donde se encargan de la decoración de la basílica superior de Fracisco de Asís, en el que Giotto se encarga del primer ciclo narrativo sobre la historia de un santo, San Francisco.

Giotto figuró unas escenas en la que se consigue determinar un lugar concreto, un espacio verosímil en donde las figuras se insertan de forma natural. Aunque su formulación espacial sea bastante primitiva, su observación de la Naturaleza le lleva a crear un marco real. Además, Giotto individualiza a los personajes, que tienen características y rasgos propios bien definidos: gestos, movimientos, expresión. Será a partir de este momento, cuando Giotto empieza a ser considerado el gran maestro de su tiempo, rompiendo con el estilo decorativo bizantizante que dominaba la pintura hasta ese momento.

A partir de ese momento Giotto es llamado de todas las partes de Italia requerido por los personajes más poderosos, pintando tanto fresco como en tabla.Consiguió romper conla tradicional iconografía de Cristos y Madonas (de caracteres intemporales), para acercarlos a la realidad y cotidianeidad del hombre de su tiempo, dotándolos de rasgos humanos y verosímiles en un espacio en profundidad. Dicen que la pintura de Giotto es el nacimiento del arte italiano. En los primeros años del Trecento pinta algunos crucifijos y retablos con el motivo tradicional de la Maestà, por ejemplo la Virgen y el Niño rodeado de ángeles. Incluso el rey francés de Nápoles lo llamó a su corte, en 1328, refiriéndose al maestro italiano como "familiaris", lo que suponía un cambió definitivo en la consideración social del artista, anticipándose al Renacimiento. Para ocuparse de todos sus encargos tenía un gran taller. Pintó los frescos para la capilla Scrovegni de Padua y el mural de la capilla Peruzzi y Bardi.

El problema de todas sus obras es que no se sabe cuales son suyas y cuales las de sus ayudantes, ya que se observa grandes diferencias entre unas obras y otras, lo cual se observa en la decoración de la capilla de la Magdalena, en la basílica Inferior de Asís, en los que se cree que el solo dio los modelos.

Su último encargo fue, hacia 1334, la dirección de los trabajos de la catedral de Florencia y de las obras urbanísticas de la ciudad. Muere sobre el 1337 en Florencia con honores.

Pisa

La plaza de lo milagros

La Plaza de los Milagros, Piazza dei Miracoli en italiano, o Plaza de la catedral, Piazza del Duomo, es una amplia área amurallada en el corazón de la ciudad de Pisa, en la Toscana Italiana. Está dominada por cuatro grandes edificios religiosos: El Duomo, la Torre inclinada de Pisa, el Baptisterio y el Camposanto.El nombre Piazza dei Miracoli fue creado por el escritor y poeta italiano Gabriele d'Annunzio quien, en 1910 describió la plaza de una manera muy poética.En 1987 la plaza fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

La catedral

La catedral de Pisa, conocida como Duomo, es una basílica de 5 naves consagrada a la Asunción de la Virgen. Se empezó a construir en 1064 por el arquitecto Buscheto quien originó el estilo románico pisano en arquitectura: Los mosaicos del interior muestran una fuerte influencia bizantina, ya que las columnas provienen de la mezquita de Palermo, mientras que los arcos apuntados indican la influencia islámica.La fachada, de mármol gris y piedra blanca fue construida por el maestro Rainaldo. Por encima de las puertas hay cuatro filas de galerías abiertas con estatuas en lo alto de la Virgen con Niño y, en las esquinas, los Cuatro evangelistas.Como curiosidad, se cree que Galileo formuló su teoría sobre el movimiento de un péndulo al ver el balanceo del incensario que colgaba del techo de la nave.

-El mosaico del abside

En el ábside hay un impresionante mosaico de un Maiestas Domini, flanqueado por la Virgen y san Juan Evangelista terminado por Cimabue en 1302, siendo esta su ultima obra antes de su muerte.Su forma evoca los mosaicos de las iglesias bizantinas y normandas, como la de Cefalú y Monreale, en Sicilia.

-El Púlpito de Giovanni Pisano

El elaborado púlpito tallado (1302-1310), es obra de Giovanni Pisano y es una de las obras maestras de la escultura medieval.

Está apoyado en columnas lisas (dos de las cuales están montadas sobre esculturas de león) en un lado y en el otro por cariátides y un telamón: este último representa a San Miguel, los Evangelistas, las cuatro virtudes cardinales flanqueando a la Iglesia, y una representación franca y naturalista de un Hércules desnudo. Un plinto central con las artes liberales apoya a las cuatro virtudes teologales.

Giovanni Pisano fue un escultor italiano, pintor y arquitecto, hijo del famoso escultor Nicola Pisano. Ambos marcaron el pasoal Renacimiento inspirándose en los elementos griegos y latinos de la Antigüedad .

El baptisterio

El Baptisterio, dedicado a san Juan el Bautista, está frente a la catedral. Se empezó a mediados del siglo XII en estilo románico por un arquitecto conocido como Deustesalvet.

La construcción, sin embargo, no terminó hasta el siglo XIV, cuando la loggia, la planta superior y la cúpula fueron añadidos en estilo gótico por Nicola y Giovanni Pisano.

Es el baptisterio más grande de Italia y contando la estatua de san Juan Bautista es más alto que la Torre.La inmensidad del interior es impresionante, pero es sorprendentemente sencillo y carece de decoración.

El portal, que queda frente a la fachada de la catedral, está flanqueado por dos columnas clásicas, mientras que las jambas interiores están ejecutadas en estilo bizantino. El dintel está dividido en dos pisos. El inferior representa varios episodios de la vida de san Juan Bautista, mientras que el superior muestra a Cristo entre la Virgen y san Juan Bautista, flanqueados por ángeles y evangelistas.

-El pulpito de Nicola Pisano

Lo más característico del baptisterio es el púlpito, que fue esculpido entre 1255 y 1260 por Nicola Pisano, padre de Giovanni Pisano, el artista que realizó el púlpito de la catedral.

Las escenas del púlpito, y especialmente la forma clásica del Hércules desnudo, son buen ejemplo de las cualidades de Nicola Pisano como el más importante precursor de la escultura renacentista italiana al restablecer las representaciones antiguas.

Ambas obras escultóricas son parecidas: el púlpito del baptisterio es hexagonal donde las columnas está siendo sostenidas por leones. En cambio, el púlpito de la catedral es circular, está mucho mas decorado y posee una columna central compuesta por la represntación de las 3 virtudes teologales y las 4 virtudes cardinales.

La torre

La Torre inclinada de Pisa es el campanario de la catedral de Pisa.

Fue construida para que permaneciera en posición vertical pero comenzó a inclinarse tan pronto como se inició su construcción.

La construcción de la primera planta de mármol comenzó el 9 de agosto de 1173, en un periodo de éxito militar y prosperidad.

Después de que se construyera la tercera planta en 1178, la torre se inclinó hacia el norte, debido a unos cimientos débiles (tres metros), en un subsuelo inestable. El diseño de esta torre era imperfecto desde su comienzo y su construcción cesó durante un siglo, debido a las guerras entre los pisanos y los estados vecinos. Este lapso permitió al suelo asentarse, de otro modo la torre se habría derrumbado.

En 1272 la construcción fue retomada por Giovanni di Simone, arquitecto autor del camposanto. Se añadieron entonces cuatro nuevas plantas que fueron construidas con cierto ángulo con objeto de contrarrestar la inclinación. La construcción se detuvo nuevamente en 1284 tras la derrota de Pisa por parte de los genoveses en la batalla de Meloria.

En 1372 Tommasso di Andrea Pisano construyó la última planta y las campanas fueron instaladas. Sin embargo, tras la conclusión del campanario, la torre empezó a inclinarse, esta vez hacia el sur.

Muchos intentaron estabilizarla sin éxito, pero en 1990, al ver que la torre podía caer en cualquier momento, el gobierno italiano se puso manos a la obra. Intentaron poner unos contrapesos de plomo, pero finalmente retiraron 38 m3 de tierra de la base para que pudiera seguir en pie otro 300 años más.

Arte Gótico

El arte gótico es un estilo que se desarrolló en Europa occidental durante los últimos siglos de la Edad Media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento. Surge en el norte de Francia y se expande por todo Occidente. Según los países y las regiones se desarrolla en momentos cronológicos diversos, ofreciendo en su amplio desarrollo diferenciaciones profundas: más puro en Francia, más horizontal y cercano a la tradición clásica en Italia, con peculiaridades locales en Flandes, Alemania, Inglaterra, Castilla y Aragón.

ARQUITECTURA GÓTICA.

Planta

La planta de las grandes iglesias góticas responde a dos tipos principales.

- De tradición románica. tiene forma de cruz latina, con o sin girola pero con los brazos poco salientes y con los ábsides frecuentemente poligonales. Las iglesias mas grandes siguen este tipo con brazos muy salientes como en la época románica. Y en las iglesias menores o populares se adopta como planta más común la de cruz latina o la rectangular y con un solo ábside poligonal en la cabecera.

- De salón. La planta no tiene crucero de brazos salientes (aunque se sigue viendo la cruz simbolica del medio), el templo de salón tiene tres naves de igual altura y un sistema de iluminación lateral. Los espacios interiores son amplios y desahogados, abarcables con una sola mirada y tremendamente unitarios, dan impresion de un gran salón.

Bóveda de Crucería

La bóveda de crucería, conformada por arcos apuntados es más ligera que cualquier otro tipo de bóveda. La utilización de este tipo de arco formando un esqueleto tridimensional unitario refleja el alto conocimiento técnico que alcanzaron los constructores de catedrales.

Para soportar el empuje del peso de las bóvedas, en vez de construir gruesos muros como se realizaba en el románico, ; los arquitectos góticos idearon otro sistema. El de los contrafuertes con arbotantes. Los contrafuertes se separan de la pared, recayendo el empuje sobre ellos por medio de un arco de transmisión denominado arco arbotante. Todavía se puede alcanzar una mayor resistencia colocando a continuación un segundo contrafuerte. Los arbotantes también cumplen la misión de albergar los canales por donde descienden las aguas de los tejados y evitar así que resbalen por las fachadas. Con ellas se podían concentrar los empujes en los cuatro puntos del vértice y posteriormente apearlos por medio de los elementos sustentantes, que podían ser los pilares o columnas pero también el sistema de estribo y arbotante, un arco que transmite los esfuerzos tangenciales hacia un contrafuerte situado en el exterior del edificio coronado por un pináculo.

El muro

Como consecuencia de las innovaciones para soportar las bóvedas, los gruesos muros de la arquitectura románica pudieron ser reemplazados por ligeros cerramientos con ventanales que permitieron la aparición de la vidriera y facilitaron que el edificio alcanzase alturas insospechadas. La típica fachada principal gótica se divide en tres cuerpos horizontales y tres secciones verticales, donde se abren las tres portadas que se corresponden con las naves del interior. Las dos torres laterales forman parte del cuerpo de la fachada y se rematan frecuentemente por agujas o chapiteles. Por último, el gran rosetón sobre la portada central supone un magnífico centro para la totalidad del conjunto.

Las ventanas

Las innovaciones permitieron abrir grandes espacios en los muros de las fachadas, esto dió lugar a grandes ventanas y vidrieras.El verdadero ventanal gótico era amplio y decorado en su parte superior con hermosos calados de piedra, los cuales se forman de rosetoncillos combinados, siempre sostenidos por parteluces. Algo parecido se observa en los grandes rosetones que se colocan en lo alto de las fachadas.

El Arco Apuntado

El arco apuntado u ojival es uno de los elementos técnicos más característicos de la arquitectura gótica y vino a suceder al arco de medio punto, propio del estilo románico. El arco apuntado, a diferencia del arco de medio punto, es más esbelto y ligero por transmitir menores tensiones laterales, permitiendo adoptar formas más flexibles, resulta más eficaz, pues gracias a su verticalidad las presiones laterales son menores que en el arco de medio punto, permitiendo salvar mayores espacios.

Las Puertas

La puerta gótica tiene la misma composicion fundamental que las puertas del románico pero se multiplican las arquivoltas y se añade una mayor elevación de líneas con más riqueza. Las portadas más suntuosas llevan imágenes de apóstoles y de otros santos bajo doseletes entre las columnilla.

El gótico en Florencia y Siena

En Florencia destaca la iglesia de la Santa Cruz, levantada por la orden franciscana. Se empezó a construir el 3 de mayo de 1294 sobre las ruinas de una pequeña iglesia erigida en 1252 por los franciscanos tras la muerte de San Francisco de Asís. Diseñados los planos por Arnolfo di Cambio. Es la iglesia franciscana más grande del mundo. Subvencionada por el pueblo y la República florentina.

En Siena destaca la Catedral de Siena. Fue diseñada y terminada entre 1215 y 1263 sobre el sitio de una estructura más antigua. Tiene la forma de una cruz latina con un crucero, un domo y un campanario. El exterior e interior estan construidos de mármol rayado blanco y verdoso negro, con la adición de mármol rojo sobre la fachada. blanco y negro son los colores simbólicos de Siena, sacado de los caballos blancos y negros de los fundadores legendarios de la ciudad: Senio y Asquio.

LA ESCULTURA GÓTICA

La escultura siguió el precedente románico, con una amplia difusión de imágenes cuyo fin era adoctrinar a los fieles en los dogmas de la fe religiosa y decorar las fachadas de las catedrales.
Las figuras más destacadas son las estatuas colosales de las portadas y las de los parteluces de los vanos de entrada. Reciben el nombre de estatuas-columna por estar adosadas a estos soportes.
La escultura gótica evolucionó desde un estilo alargado y rígido, aún en parte románico, hacia un sentimiento espacial y naturalista. La influencia de las esculturas griegas y romanas que aún se conservaban se incorporaron al tratamiento de las telas, las expresiones faciales y la pose.

LA PINTURA GÓTICA

La transición del románico al gótico es muy imprecisa y no hay un claro corte, pero podemos ver los comienzos de un estilo que es más sombrío, oscuro y emotivo que en el periodo previo. Esta transición ocurre primero en Inglaterra y Francia alrededor de 1200, en Alemania en torno a 1220 e Italia alrededor de 1300.en el gótico se tiende a aumentar el realismo y naturalismo, aproximándose a la imitación a la naturaleza, incluyendo la representación de paisaje. Se tendió a aproximar la representación de los personajes religiosos en un plano mas humano que divino, rompiendo el formalismo del románico.